Giselle

순수한 정통 춤 기교인 당스 데콜(danse d'cole)에 음악·의상·무대장치와 같은 예술적 요소들이 결합된 공연용 춤.

순수한 기교 자체를 말하기도 한다.

 

발레는 르네상스 시대의 궁정연예극과 그뒤를 잇는 프랑스 궁정 발레에서 발전했다.

 

당시 왕족과 귀족들의 사교춤은음악·대사·시가·노래·야외극·장식·의상과 더불어 펼쳐졌다.

 

17세기 잠시 쇠퇴하기도 했으나 춤에 심취해 자신이 직접 추기도 한 프랑스 왕루이 14세(1638~1715)는 '완벽한 춤을 재건'하기 위해 1661년 왕립 춤 아카데미를 설립했다.

 

같은 해에 몰리에르의 대본과 장 바티스트륄리의 음악을 사용한 최초의 코미디 발레가 공연되었는데 이 작품에서 춤은 연극의 장에 따라 각각 나누어졌다.

 

오래지 않아 이는 륄리의 오페라 발레로 이어졌으며 오페라 발레를 공연할 직업무용수를 훈련시키기 위한 학교가 설립되어 왕립 음악 아카데미(또는 왕립 오페라 아카데미)에 소속되었다.

 

새로 등장한 직업무용수들은 귀족들의 행동거지를 그대로 모방해 춤추도록 훈련받았다.

 

륄리와 발레 감독 피에르 보샹(1631~1719)의 지도로 발레는 공연 형태를 갖추었다.

 

18세기에 들어와 발레 기교는 크게 향상되었고 극(劇)을 전개하는 수단으로 발레를 활용하려는 새로운 관심이 일어났는데, 그 중심인물은 장 조르주노베르(1727~1810)였다.

 

그의〈춤과 발레에 관한 서한집 Lettres sur la danse et les ballets〉(1760)은 유럽 전역에서 발레닥시옹 혹은 발레극의 발전에 중대한 영향을 끼쳤다.

 

연기 발레 또는 발레극에서 무용수의 움직임은 등장인물의 성격을 묘사하고 줄거리 전개를 보조하기 위한 것이었다.

 

이와 동시에 작곡가 크리스토프 글루크는 오페라와 발레에 종사하면서 춤 반주음악에 신선한 활기와 극적 효과를 부여했다.

 

이 시기에는 3가지 발레 양식이 있어서 무용수는 체격조건에 따라 고상하거나 점잖은 기법, 서민적 기법, 코믹하거나 그로테스크한 기법을 훈련받았다.

 

이렇게 층이 나누어진 발레는 오페라처럼 웅장한 공연양식이 되어 오늘날과 마찬가지로 오페라 극장에서 공연되었다.

 

또 많은 오페라에는 발레 디베르티스망(간주곡으로 사용된 발레 모음곡)이 포함되었다.

 

당시의 발레는 여전히 귀족적 태도를 반영했으나, 18세기말과 19세기초 산업·사회·정치·예술에 일어난 혁명은 커다란 변화를 가져왔다.

 

특히 발레 교육의 중심지였던 프랑스에서 앙시앵 레짐과 그 사교춤은 더이상 무용수가 따라야 할 본보기가 아니었다.

 

19세기초의 무대 춤은 특히 마리에 탈리오니(1804~84)와 파니 엘슬러(1810~84)의 춤으로 대표되는 낭만파 발레를 새로운 예술적 목표로 삼게 되었다.

 

푸앵트(한쪽 발 끝으로 서서 균형을 잡는 자세)가 춤의 기법에 도입됨으로써 발레리나는 지고의 이상적인 무대인물이 되었다.

 

이때부터 직업 문인이나 대본가에 의해 발레 대본이 구상되기 시작해 19세기에 들어와 일반화되었다.

 

카를로블라시스(1803~78) 같은 교사들에 의해 발레 기법이 정리되면서 발레는 오늘날과 같은 특징을 지닌 기본형식을 갖추게 되었고 근본적으로 사교춤과는 구분되었다.

 

그러나 1830~50년 낭만파 발레에 대한 열정이 널리 확산된 뒤로는 국제적 교류가 거의 없어지면서 발레는 특정 국가에 국한되었으며, 러시아와 덴마크를 제외한 곳에서는 예술적 수준이 떨어졌다.

 

아우구스트 부르농빌(1805~79), 쥘 페로(1810~92), 마리우스프티파(1818~1910) 같은 발레 감독들은 발레를 새롭게 안무해 선보였다.

 

특히 프티파는 〈잠자는 숲속의 미녀 The Sleeping Beauty〉, 조수 레프 이바노프(1834~1901)와 함께 만든 〈백조의 호수 Swan Lake〉 등 지금도 계속 공연되는 고전적 레퍼토리를 차이코프스키 음악을 토대로 안무해 19세기 후반의 수십 년 간 상트페테르부르크에서 정통 발레의 수준을 정상에 올려놓았다.

 

20세기에 들어와 러시아 발레는 서구세계로 퍼져나가 대단한 찬사를 받고 큰 영향을 끼쳤다.

 

최고의 발레리나 안나 파블로바(1881~1931)는 20년간 전세계를 순회했고, 세르게이디아길레프(1872~1929)가 이끄는 발레 뤼스는 그가 죽기 전까지 20년 동안 유럽에서 공연하면서 안무가·무대장치가·작곡가 사이의 긴밀한 협력관계를 낳았다.

 

예술가들과 관객들에게 디아길레프가 끼친 영향은 막대했다.

 

그가 관계한 5명의 주요안무가들, 즉 미첼포킨(1880~1942), 바슬라프니진스키(1888~1950), 레오니드마신(1895~1979), 브로니슬라바니진스카(1891~1972), 조지 G.발란신(1904~83)은 발레 예술을 소생시키고 새롭게 정의하려는 그의 작업에 중요한 공헌을 했다.

 

전작 발레는 단막 형식에 밀려났고 발레는 줄거리를 갖지 않아도 되었으며 현대세계를 소재로 삼을 수 있게 되었다.

 

또한 춤을 염두에 두고 만들지 않은 음악이나 친숙하지 않은 리듬·하모니, 일상적 소음으로 이루어진 곡을 토대로 안무할 수도 있게 되었다.

 

디아길레프가 죽고 그의 발레단을 본뜬 여러 발레 뤼스(Ballets Russes)가 등장하면서 서구에서 발레를 확립하려는 새로운 시도들이 시작되었으며 발레에 민족성을 부여하고 체계적으로 훈련시키기 위해 새로운 학교들과 무용단들이 설립되었고 1931년 창설되어 니네트 드 발루아(1898 태어남)가 감독을 맡고 프레더릭 애시턴 경(1904 태어남)이 상임 안무가를 맡았던 영국의 빅웰스 발레단(나중에 새들러스 웰스 발레단이 되었다가 다시로열 발레단으로 바뀜)은 짧은 시일 내에 국가적으로 중요한 발레단이 되었다.

 

미국에서는 아메리칸 발레 학교(1934 설립)와 그 부속뉴욕 시립 발레단(1948 창단)이 링컨 커스타인(1907 태어남)과 안무가 발란신의 지도하에 급속도로 성장했다.

 

제2차 세계대전 이후 덴마크 왕립 발레단과 특히 레닌그라드의 키로프 발레단, 모스크바의 볼쇼이 발레단은 해외순회공연을 통해 엄청난 충격을 주었다.

 

오늘날에는 많은 나라에 발레단과 발레 학교가 생겨났으며 발레는 일반 대중의 예술적 오락물이 되었다.

 

발레는 모든 양식의 춤을 당스 데콜과 접목시키고 다른 분야의 예술가들과 다양한 관계를 맺으면서, 디아길레프 시대에 비해 훨씬 더 복잡하고 다양해졌다.

 

그러나 귀족적이었던 예전의 매끈한 움직임과 정연한 우아미가 여전히 남아 있어 다른 형태의 춤과 구별된다.